Έχει περάσει ένας αιώνας από τότε που το Μανιφέστο του Αντρέ Μπρετόν για τον Σουρεαλισμό υποστήριζε έναν «τρόπο καθαρής έκφρασης… που υπαγορεύεται από τη σκέψη, απουσία οποιουδήποτε ελέγχου που ασκείται από τη λογική».

Η συγγραφή ήταν το προοριζόμενο όχημα για αυτή την αχαλίνωτη φαντασία– η τέχνη θεωρήθηκε υπερβολικά μη αυθόρμητη.

Κι όμως, μόλις ένα χρόνο αργότερα, στις 13 Νοεμβρίου 1925, η πρώτη έκθεση σουρεαλιστικής τέχνης διοργανώθηκε στο Παρίσι, απελευθερώνοντας έναν κόσμο ιδιόμορφων, ονειρικών έργων από καλλιτέχνες όπως ο Χουάν Μιρό, ο Πάμπλο Πικάσο, ο Μαν Ρέι και ο Μαξ Ερνστ.

Δεδομένων των φανταστικών μορφών της υπερρεαλιστικής τέχνης – από τα ρολόγια τσέπης που λιώνουν και το τηλέφωνο-αστακός του Σαλβαντόρ Νταλί μέχρι το γούνινο φλιτζάνι και πιατάκι της Meret Oppenheim – είναι εύκολο να απορρίψουμε ή να υποβαθμίσουμε αυτά τα παράξενα έργα τέχνης ως περισσότερο ανόητα παρά σοβαρά.

Ωστόσο, καθώς οι γκαλερί γιορτάζουν τα εκατό χρόνια από το Μανιφέστο με εκθέσεις για τον υπερρεαλισμό και την κληρονομιά του, η οδυνηρή απάντηση του κινήματος στα χρόνια του πολέμου που το γέννησε έρχεται στο προσκήνιο.

Απογοητευμένοι από την ορθολογική σκέψη που οδήγησε στη μαζική καταστροφή του παγκόσμιου πολέμου, οι καλλιτέχνες αγκάλιασαν το παράλογο

Η έκθεση «But live here? No thanks: Surrealism and Anti-fascism» στο Lenbachhaus του Μονάχου, έχει ως στόχο «να δείξει ότι το κίνημα του Σουρεαλισμού διαμορφώθηκε την ίδια εποχή με τα φασιστικά κινήματα στην Ευρώπη και, ως εκ τούτου, είναι ιδιαίτερα επιδραστικό και μάλιστα, με πολλούς τρόπους, συστατικό της πολιτικής αυτογνωσίας του Σουρεαλισμού», λέει στο BBC η συν-επιμελήτρια Stephanie Weber. Οι σουρεαλιστές -με εξαίρεση τον Νταλί- ήταν αντιφασίστες, συχνά με στενούς δεσμούς με το Γαλλικό Κομμουνιστικό Κόμμα. «Όλοι οι καλλιτέχνες της έκθεσής μας επηρεάστηκαν προσωπικά από τον φασισμό και αντεπιτέθηκαν», λέει η Weber. «Πολλοί από αυτούς διώχθηκαν, αναγκάστηκαν να εξοριστούν, πολέμησαν στην Αντίσταση… και πολλοί από αυτούς είτε έπεσαν στον πόλεμο, είτε απελάθηκαν και σκοτώθηκαν».

Ένας από τους καλλιτέχνες που προβάλλονται είναι ο Ρουμάνος Εβραίος ζωγράφος Victor Brauner. Αντιμέτωπος με τον αυξανόμενο αντισημιτισμό, που υποδαυλίστηκε από τη Σιδηρά Φρουρά της Ρουμανίας, δημιούργησε μια νέα ζωή στο Παρίσι τη δεκαετία του 1930, για να εκτοπιστεί ξανά το 1940 από τη ναζιστική κατοχή.

Το έργο του ήταν ωστόσο παραγωγικό και μεταφέρει, λέει η Weber, «αυτή την εικαστική αίσθηση του χιούμορ» που φαίνεται στο Totem of Wounded Subjectivity II (1948), τη ναυαρχίδα της έκθεσης.

Η ελαιογραφία παρουσιάζει κωμικά, καρτουνίστικα όντα με χέρια για μύτη ή πηγούνι, αλλά των οποίων τα κοφτερά δόντια και οι αιχμές υποδηλώνουν απειλή.

Σφίγγουν μορφές που παραπέμπουν τόσο σε φρούτα -ένα κλασικό σουρεαλιστικό μοτίβο– όσο και σε εσωτερικά όργανα, υπονοώντας κάτι σπλαχνικό και βάναυσο.

Στο κέντρο βρίσκεται το πανταχού παρόν σουρεαλιστικό «αυγό», σύμβολο της φιλοδοξίας για μια νέα πραγματικότητα, καθοδηγούμενη από τη φαντασία και διακριτή από τα δεινά του παρελθόντος.

Στο Παρίσι, όπου γράφτηκε το Μανιφέστο του Μπρετόν, οι επισκέπτες της μεγάλης έκθεσης Surrealism του Κέντρου Πομπιντού μπορούν τώρα να ανακαλύψουν το πρωτότυπο χειρόγραφο που παρουσιάζεται στην καρδιά ενός λαβυρινθώδους ταξιδιού μέσα από 40 χρόνια εκπληκτικής τέχνης.

Η περιοδεύουσα έκθεση ξεκίνησε από τις Βρυξέλλες και θα συνεχίσει στη Μαδρίτη, το Αμβούργο και τη Φιλαδέλφεια, αλλά αυτή τη στιγμή βρίσκεται στο πιο εκτεταμένο σημείο της, καταλαμβάνοντας έναν χώρο 2.200 τ.μ.

Στα κυριότερα σημεία της έκθεσης περιλαμβάνεται το ιλιγγιώδες έργο του René Magritte «Προσωπικές αξίες» (1952), μια παράλογη και διασκεδαστική απόδοση ενός φαινομενικά μικρού δωματίου που περιέχει υπερβολικά υπερμεγέθη καθημερινά αντικείμενα.

Αυτή η κωμωδία, ωστόσο, έχει ως πηγή της τον πόνο. Απογοητευμένοι από την ορθολογική σκέψη που οδήγησε στη μαζική καταστροφή του παγκόσμιου πολέμου, καλλιτέχνες όπως ο Magritte και οι ντανταϊστές προκάτοχοί του αγκάλιασαν το παράλογο, δημιουργώντας ανησυχητικά έργα εμπνευσμένα από τον υποσυνείδητο κόσμο των ονείρων.

Κάτι τερατώδες

Αν και επαναστατικό ως προς το όραμά του, το μανιφέστο του Μπρετόν ήταν λιγότερο προοδευτικό ως προς τον εγγενή σεξισμό του.

Απευθυνόμενο σε άνδρες και γραμμένο εξ ολοκλήρου από την οπτική γωνία της ανδρικής εμπειρίας, δεν προβλέπει ούτε αναγνωρίζει τον κρίσιμο ρόλο που θα έπαιζαν οι γυναίκες στη διαμόρφωση του υπερρεαλισμού.

Το Κέντρο Πομπιντού αποτίει φόρο τιμής σε γυναίκες καλλιτέχνιδες όπως η Leonora Carrington, η Dorothea Tanning και η φωτογράφος Dora Maar, που συχνά υποτιμώνται ή απορρίπτονται ως μούσες.

Στην έκθεση περιλαμβάνεται το περίφημο «Hand-Shell» (1934) της Maar, μια εντυπωσιακή εικόνα που αποτελείται από δύο αντίθετα και αταίριαστα αντικείμενα: ένα κομψό χέρι με ένα μοναχικό δάχτυλο που τρυπάει ενοχλητικά την άμμο, και το όστρακο από το οποίο αναδύεται – μια αναπαράσταση, ίσως, της «Γέννησης της Αφροδίτης» του Μποτιτσέλι.

Οι δραματικές σκιές και ο ουρανός του έργου και το μεσοπολεμικό του πλαίσιο προσκαλούν μια σειρά από αναγνώσεις, από την ανάδυση ενός νέου κόσμου από τα ερείπια του παρελθόντος μέχρι την επικείμενη επίσκεψη κάτι τερατώδους.

Αυτή η προφητική ιδιότητα του σουρεαλισμού, η οποία αντλείται από το ασυνείδητο, εξετάζεται από νωρίς στην έκθεση, όπου το έργο Museum της Edith Rimmington, ένας πίνακας «ψεύτικου κολάζ» με κεντρικό στοιχείο μια κρυστάλλινη σφαίρα, τραβάει την προσοχή.

Η Tor Scott ερευνά αυτή την αινιγματική Βρετανίδα καλλιτέχνιδα και είναι βοηθός επιμελήτρια στις Εθνικές Πινακοθήκες της Σκωτίας, όπου φυλάσσεται μια συλλογή έργων και εντύπων της Rimmington.

Με τα πολλαπλά περιπλανώμενα μάτια του, το Museum «αμφισβητεί την ισορροπία δύναμης μεταξύ αντικειμένου και θεατή», λέει στο BBC, και «μιλάει για την αντικειμενοποίηση της γυναικείας μορφής».

Το κεντρικό θηλυκό «τεχνούργημα» περιβάλλεται από επιπλέοντα θαλάσσια πλάσματα που μοιάζουν με ασώματες γυναικείες αναπαραγωγικές λειτουργίες.

Μεγάλο μέρος της δημιουργίας της Rimmington αξιοποιούσε «σπλαχνικές και βίαιες εικόνες που θα μιλούσαν σε όσους ζούσαν στη Βρετανία κατά τη διάρκεια και μετά τον μεσοπόλεμο», λέει η Scott.

Το έργο της περιλάμβανε συχνά απεικονίσεις διαμελισμένων ή μεταλλαγμένων σωμάτων και αποσυντεθειμένης σάρκας, καθώς και αναφορές στην κυκλική φύση της ζωής και του θανάτου.

Αυτό το υπόγειο ρεύμα τρόμου συνεχίζεται στο The Traumatic Surreal στο Henry Moore Institute στο Leeds, το οποίο εξερευνά την έκφραση των γυναικών σουρεαλιστριών για τις οδυνηρές κληρονομιές του φασισμού.

«Ο σουρεαλισμός προέρχεται και εδράζεται στο τραύμα του πολέμου», λέει η συν-επιμελήτρια καθηγήτρια Patricia Allmer, καθηγήτρια σύγχρονης και μοντέρνας ιστορίας της τέχνης στο Πανεπιστήμιο του Εδιμβούργου και συγγραφέας του βιβλίου The Traumatic Surreal (2022): Germanophone Women Artists and Surrealism after the Second World War, που ενέπνευσε την έκθεση.

«Κανένας άνδρας σουρεαλιστής καλλιτέχνης δεν ασχολήθηκε τόσο άμεσα με την αναπαράσταση και την κριτική του Β’ Παγκοσμίου Πολέμου όσο αυτές οι γυναίκες καλλιτέχνιδες», λέει στο BBC.

Η Claude Cahun και η φίλη της Marcel Moore φυλακίστηκαν για τη δημοσίευση αντιναζιστικής προπαγάνδας, για παράδειγμα, και η Lee Miller «πηγαίνει πραγματικά στον πόλεμο και φωτογραφίζει εκεί. Δεν υπάρχει ούτε ένας άνδρας σουρεαλιστής που να το κάνει αυτό».

Το χιούμορ είναι η διαδικασία που επιτρέπει σε κάποιον να παραμερίζει την πραγματικότητα όταν αυτή γίνεται πολύ οδυνηρή

Το επίκεντρο της έκθεσης, ωστόσο, είναι οι γερμανόφωνοι καλλιτέχνες. «Είτε έζησαν τον φασισμό, είτε οι γονείς τους είχαν, με τον έναν ή τον άλλο τρόπο, εμπλακεί σε αυτόν», λέει η Allmer, τονίζοντας ότι οι ακραίες πατριαρχικές αξίες που ενσάρκωνε ο φασισμός δεν τελείωσαν με τον πόλεμο. «Η όλη ιδεολογία συνεχίστηκε, αλλά κατά κάποιο τρόπο καταπιέστηκε και έγινε αυτό το παράξενο υπόγειο ρεύμα».

Ένα από τα πιο ενδιαφέροντα έργα της έκθεσης είναι ο σκίουρος της Méret Oppenheim, μιας γερμανικής καταγωγής καλλιτέχνιδας εβραϊκής καταγωγής που κατέφυγε με την οικογένειά της στην Ελβετία.

Γλυπτά όπως αυτή η κούπα μπίρας με τη χνουδωτή λαβή μπορεί να φαίνονται χιουμοριστικά, αλλά συχνά είναι «εμποτισμένα με βία», λέει η Allmer.

«Με την πρώτη εντύπωση, έχεις αυτή την υπέροχη μαλακή, φουντωτή ουρά και σε προσκαλεί να τη χαϊδέψεις, και έχεις το ποτήρι μπίρας που υποδηλώνει κοινωνική ευχαρίστηση και ηδονισμό», αλλά η παράξενη αντιπαράθεση δημιουργεί ένα σοκαριστικό αποτέλεσμα «σαν μια μεταφορά των ιστορικών σοκ της πολεμικής εμπειρίας που οδηγούν σε τραύμα».

Διαβασε ακομα

Οι φωτογραφίες της Lee Miller βοήθησαν τον κόσμο να κατανοήσει τι είναι ο πόλεμος

Η κομμένη ουρά, λέει η Allmer, υπονοεί «το κόψιμο ή τον ακρωτηριασμό», και η γούνα της – ένα υλικό που συναντάμε επίσης στην έκθεση στα έργα των Ursula, Renate Bertlmann και Bady Minck – παραπέμπει σε κάτι άγριο και τρομακτικό, στη μεταχείριση των γυναικών ως ζώων και στην ανησυχητική εμμονή του Χίτλερ με τους λύκους.

Το μαύρο χιούμορ είναι σκόπιμο και «μια πραγματικά σημαντική στρατηγική», εξηγεί η Allmer, που επιτρέπει στις γυναίκες «να αρθρώσουν πραγματικότητες που διαφορετικά καταπιέζονται ή αποκλείονται από το δημόσιο διάλογο».

Ο Μπρετόν θα του αφιέρωνε μια ανθολογία το 1940, η οποία απαγορεύτηκε γρήγορα από το καθεστώς του Βισύ.

Το χιούμορ, γράφει, είναι «η διαδικασία που επιτρέπει σε κάποιον να παραμερίζει την πραγματικότητα όταν αυτή γίνεται πολύ οδυνηρή». Αν βρίσκουμε τον υπερρεαλισμό αστείο, δεν χάνουμε απαραίτητα το νόημα.

Με πληροφορίες από BBC